LA CULTURA Y LOS CAMBIOS EN OBRAS
Hay libros tan famosos que creemos conocerlos sin haberlos leído. Sus personajes e ideas pasan a películas, adaptaciones y expresiones populares, cambiando con cada interpretación. A veces, la transformación es tan grande que el significado termina siendo opuesto al original. Un claro ejemplo es como la gente nombra al monstruo de Frankenstein por el nombre de su creador.
La obra sigue siendo la misma, pero la cultura comienza a recordar otra.
En este articulo, vamos a recorrer algunos ejemplos mas notorios
La Cabaña Del Tio Tom
Escrita en 1852, "La Cabaña del Tio Tom" escrita por Harriet Beecher Stowe, retrata la vida de Tom, un hombre negro esclavizado y con una profunda fe cristiana, compasión y fuertes convicciónes morales. A lo largo de la novela pasa por las manos de distintos propietarios, pasando primero por Arthur Shelby, el cual lo vende para saldar deudas. En su viaje al Sur, salva la vida de una pequeña niña y por consecuencia el padre decide comprarlo. Tom y la niña forman un vinculo de amistad caracterizado por sus fees cristianas, pero tras la muerte de la chica, el padre decide liberar a Tom parar honrar su memoria. La tragedia se vuelve evidente cuando el propietario es asesinado para evitar que dicha libertad se concrete y Tom es vendido nuevamente, esta vez al cruel Simon Legree.
Legree intenta doblegarlo física y psicológicamente. Tom se niega a ser cruel, se niega a abandonar su fe y ayuda en secreto a otros esclavos.
Finalmente, dos mujeres esclavizadas, Cassy y Emmeline, escapan. Legree le ordena a Tom que revele su paradero. Tom se niega a traicionarlos, aun sabiendo lo que Legree le hará.
Legree ordena que le den una paliza brutal. Tom finalmente muere a causa de sus heridas, pero no sin antes perdonar a quienes lo golpearon. George Shelby, hijo de su antiguo amo, llega con la intención de comprar la libertad de Tom, pero lo encuentra agonizando.
Más tarde, George regresa a liberar a las personas esclavizadas por su familia y les pide que recuerden a Tom y su ejemplo.
Sin embargo, este no fue el Tom que sobrevivio en la cultura.
De Martir a Traidor
El enorme éxito de La cabaña del tío Tom hizo que la historia rápidamente escapara de las páginas de Stowe. Durante las décadas siguientes aparecieron numerosas adaptaciones teatrales conocidas como Tom Shows, muchas de ellas realizadas sin participación de la autora y cada vez más alejadas de la novela. Estas representaciones simplificaron a los personajes y recurrieron con frecuencia a estereotipos raciales propios de los espectáculos de minstrelsy. El Tom complejo de Stowe comenzó a ser reemplazado por una caricatura: un hombre negro anciano, dócil, siempre sonriente y completamente subordinado a los blancos.
Con el tiempo, esta versión terminó eclipsando al personaje original. La paciencia cristiana de Tom comenzó a interpretarse como servilismo; su rechazo a la violencia, como cobardía; y su capacidad de perdonar, como aceptación de su propia opresión. Durante el siglo XX, "Tio Tom" o mas comunmente llamado "Uncle Tom" terminó consolidándose como un insulto dirigido hacia una persona negra considerada excesivamente complaciente con los blancos, especialmente cuando se la acusa de buscar su aprobación a costa de otros negros. El nombre dejó entonces de representar el sacrificio y la resistencia moral del personaje para representar sumisión y traición.
Lolita: De Victima a Seductora
Publicada en 1955, Lolita, de Vladimir Nabokov, está narrada por Humbert Humbert, un hombre adulto obsesionado sexualmente con Dolores Haze, una niña de doce años a quien llama “Lolita”. Tras instalarse en la casa de Charlotte Haze, la madre de Dolores, Humbert se casa con ella para poder permanecer cerca de la niña. Cuando Charlotte descubre sus verdaderas intenciones y posteriormente muere atropellada, Humbert queda a cargo de Dolores y comienza un viaje por Estados Unidos durante el cual abusa sexualmente de ella mientras intenta mantenerla bajo su control.
Pero la historia nunca llega al lector desde la perspectiva de Dolores. Es Humbert quien la cuenta y, por lo tanto, quien decide cómo describirla. Culto, elocuente y consciente de su capacidad para seducir mediante las palabras, constantemente intenta justificar sus acciones y presentar a Dolores como una participante activa de la relación. Incluso “Lolita” es, en gran medida, una identidad construida por él: detrás de ese nombre se encuentra Dolores Haze, una niña con deseos, miedos y sufrimientos que aparecen fragmentariamente detrás del relato de Humbert.
“Lolita” comenzó a desprenderse de Dolores Haze hasta convertirse culturalmente en la imagen de una adolescente precoz, provocativa y consciente de su sexualidad. Portadas, adaptaciones cinematográficas y décadas de referencias populares reforzaron esa imagen hasta hacer que el nombre pudiera utilizarse independientemente del libro. La transformación resulta especialmente paradójica porque reproduce precisamente aquello que Humbert intenta hacer durante toda la novela: convertir a Dolores en la responsable de despertar su deseo.
La adaptación cinematográfica de Stanley Kubrick de 1962 contribuyó especialmente a construir esta nueva imagen de Lolita. Sue Lyon tenía catorce años durante el rodaje y la película presenta a su personaje con una apariencia más adolescente que la Dolores de doce años de la novela, mientras que su campaña publicitaria reforzó una imagen provocativa que terminaría siendo inseparable del personaje. La célebre fotografía de Lyon con gafas de sol en forma de corazón y una paleta roja —que ni siquiera corresponde exactamente a una escena de la película— se convirtió en la representación popular de Lolita. El cine y su publicidad ayudaron así a desplazar el foco desde una niña observada y manipulada por un adulto hacia la imagen de una joven aparentemente seductora.
Rambo: De Victima de Guerra a Simbolo De La Misma
Antes de convertirse en uno de los grandes símbolos del cine de acción, John Rambo nació en la novela First Blood (1972), de David Morrell. Allí es un veterano de Vietnam incapaz de reintegrarse a la sociedad estadounidense después de regresar de la guerra. Cuando llega a un pequeño pueblo de Kentucky, el jefe de policía Will Teasle lo considera un vagabundo problemático e intenta expulsarlo. El conflicto escala hasta que Rambo es detenido y el maltrato policial desencadena sus recuerdos de tortura como prisionero de guerra. Lo que sigue no es tanto la aventura de un héroe como la caída de un hombre profundamente traumatizado que vuelve a encontrarse, esta vez en su propio país, dentro de una guerra.
La adaptación cinematográfica de 1982 conserva buena parte de esta idea, aunque transforma considerablemente a Rambo. La película reduce su violencia contra otras personas y lo presenta de manera mucho más compasiva, culminando con su derrumbe emocional frente al coronel Trautman. Rambo habla de sus compañeros muertos, de la dificultad de regresar a una sociedad que lo desprecia y de cómo las habilidades que lo convertían en alguien valioso durante la guerra no significan nada en su vida civil. La película no presenta Vietnam como el lugar donde Rambo encontró su propósito, sino como aquello que lo dejó incapaz de regresar completamente a casa.
Sin embargo, las secuelas cambiaron progresivamente esa imagen. Rambo: First Blood Part II (1985) devuelve al personaje a Vietnam, pero ahora el veterano traumatizado se transforma en un héroe musculoso capaz de enfrentarse prácticamente solo a ejércitos enteros. Rambo III (1988) lleva todavía más lejos esta imagen, convirtiéndolo definitivamente en una fantasía de poder militar. La vincha, la ametralladora, el arco, los músculos y las explosiones terminaron reemplazando en el imaginario popular al veterano quebrado que había aparecido originalmente en First Blood.
Rambo había nacido como representación de las consecuencias que la guerra podía provocar sobre quienes regresaban de ella, pero terminó convertido en una fantasía del guerrero prácticamente invencible. El hombre que inicialmente no podía escapar de Vietnam terminó regresando voluntariamente para ganar nuevas guerras en la pantalla
Starship Troopers: De Necesidad a Satira
Publicada en 1959, Starship Troopers, de Robert A. Heinlein, utiliza su guerra futurista entre la humanidad y una especie alienígena como escenario para desarrollar ideas sobre disciplina, ciudadanía, responsabilidad y servicio militar. Heinlein cuestiona lo que consideraba una sociedad estadounidense demasiado permisiva y presenta una Federación en la que determinados derechos políticos, como el voto, están reservados a quienes completaron un período de servicio federal. A través de las experiencias y la educación de Johnny Rico, la novela dedica tanto espacio a discutir estas ideas como al propio conflicto contra los insectos, presentando con simpatía una sociedad más disciplinada, militarizada y basada en el sacrificio individual por el colectivo.
Casi cuarenta años después, Paul Verhoeven llevó Starship Troopers al cine, pero en lugar de reproducir la perspectiva política de la novela decidió prácticamente invertirla. La Federación aparece como una sociedad militarista y autoritaria, rodeada de propaganda, uniformes y una estética deliberadamente inspirada en regímenes fascistas. Los jóvenes protagonistas parten entusiasmados hacia la guerra mientras anuncios gubernamentales convierten la violencia y la muerte en entretenimiento patriótico. Verhoeven utiliza así muchos de los elementos presentes en Heinlein, el servicio, la ciudadanía, la disciplina y la glorificación del soldado, para construir una sátira precisamente de aquello que interpreta que la novela defendía.
La ironía es que la película de 1997 terminó siendo mucho más reconocida popularmente que la novela que adaptaba. Para gran parte del público, Starship Troopers es hoy una sátira sobre el fascismo, el militarismo y la propaganda, cuando su fuente literaria defendía seriamente muchas de las ideas que Verhoeven decidió poner bajo sospecha. Incluso la película sufrió su propia transformación, siendo inicialmente recibida por algunos espectadores como una simple película de acción antes de que su carácter satírico fuera ampliamente reivindicado.
American Psycho: De Satira a Modelo Inspiracional
Publicada en 1991 por Bret Easton Ellis y adaptada al cine en 2000 por Mary Harron, American Psycho presenta a Patrick Bateman como una caricatura extrema del éxito masculino de los años ochenta. Joven, rico, atractivo y obsesionado con su cuerpo, su ropa, los restaurantes exclusivos y el estatus social, Bateman parece representar al hombre que lo tiene todo, pero detrás de esa fachada existe un individuo vacío, incapaz incluso de distinguirse de sus compañeros igualmente superficiales. Sus interminables rutinas de belleza, las discusiones sobre marcas y la famosa competencia por las tarjetas de presentación no pretenden demostrar lo admirable que es su vida, sino ridiculizar un mundo donde la identidad de una persona parece reducirse a aquello que posee y a cómo es percibida por los demás.
Décadas después, Internet comenzó a separar esa imagen del contexto que le daba sentido. Escenas de Bateman haciendo ejercicio, hablando sobre su rutina o caminando elegantemente hacia su trabajo empezaron a circular en memes y videos asociados al grindset, los sigma males, la disciplina y el éxito personal. La ironía original no desapareció completamente ,muchos de estos memes son deliberadamente humorísticos,, pero también surgió una identificación genuina con su estética y comportamiento. El personaje creado para exagerar hasta lo absurdo el narcisismo, materialismo y vacío de cierto ideal masculino terminó convertido, para algunos, en representación de ese mismo ideal. Patrick Bateman pasó de ser una sátira del hombre exitoso a convertirse en una imagen aspiracional de aquello que la obra pretendía satirizar.
Aquí aparece el problema inverso: podemos conservar perfectamente el libro y, aun así, perder parte de su significado. Tom, Dolores o Rambo siguen allí, sin cambios, pero la cultura construyó otras versiones sobre ellos. Porque conservar una obra no significa necesariamente conservar la forma en que alguna vez fue entendida.
Gracias a la conservacion de libros podemos afrontar los problemas impuestos por una cultura que no entiende la obra original.
No hay comentarios:
Publicar un comentario